INSTITUTO NACIONAL DE BELLAS ARTES Y LITERATURA

Sofía Méndez de Lara Sánchez. 1°B-2.

MÚSICA BARROCA.

La música barroca es un estilo de música clásica en que se originó de la época renacentista. La palabra barroco es una palabra portuguesa que significa perla deforme, se le dio este nombre porque la música se pensó en un aspecto negativo en este período de la música. La época barroca de inspiración mucho más tonalidad en música añadiendo elaborado jugando técnicas a piezas clásicas. El estilo barroco ha ayudado a establecer géneros tales como ópera, cantata, sonata, oratorio y concierto. Muchos del estilo barroco hoy todavía se utiliza en pedazos de la música. Éstos son algunos de los más famosos compositores barrocos y sus pedazos más bien conocidos de la música.

• Parte 1 Johann Sebastian Bach
• Parte 2 George Frideric Handel
• Parte 3 Henry Purcell
• Parte 4 Antonio Vivaldi

• Descargar musica gratis con TunesGo de internet

1 Johann Sebastian Bach

Bach fue un músico y compositor alemanes de la música barroca periodo de tiempo. Sus composiciones son muy veneradas por su riqueza y belleza artística. Algunas de sus composiciones más bien conocidas incluyen las Variaciones Goldberg, conciertos de Brandenburgo y Misa en si menor. Él es también responsable de crear más de 300 cantatas, aunque algunas de las cantatas se han perdido con el tiempo, casi dos siglos aún sobreviven.

2 George Frideric Handel

Haendel fue un compositor alemán nacido y es famoso por sus conciertos para órgano, óperas y los himnos. Una de asas piezas más queridos es Mesías, otros pedazos bien conocidos incluyen himnos de la coronación, Water Music, Trio Sonatas Opus 5, Concerto Grosso Opus 6 y música para los reales fuegos de artificio. También es conocido por haber compuesto oratorios de cadena larga que son Josué, Salomón, la elección de Hércules y Jeptha.

3 Henry Purcell

El compositor inglés Purcell era conocido por incorporar elementos italianos y franceses de composiciones. Purcell realmente cree que es uno de los más grandes compositores de Inglés de todos los tiempos. Sus obras incluyen Dido y Eneas, doce Sonatas y levántate mi musa. Aunque también fue acreditado para el trabajo de trompeta voluntaria esta pieza no fue escrita por él en todos pero en su lugar escribió por Jeremiah Clarke.

4 Antonio Vivaldi

Nacido en Venecia el 04 de marzo de 1678, Antoni Vivaldi fue conocida como un famoso compositor sin embargo él también era conocido como un profesor, clérigo y violinista. Reconocido como uno de los más conocidos compositores barrocos, que sus influencias musicales pueden verse a lo largo de Europa. Vivaldi es mejor conocido por su obra musical las cuatro estaciones que es un concierto de violín. También es conocido por 12 sonatas, l ' estro Armonico y Stravaganza de La (la extravagancia).

INSTITUTO NACIONAL DE BELLAS ARTES Y LITERATURA

Sofía Méndez de Lara Sánchez. 1°B-2.

INSTRUMENTOS DE MADERA.

Los instrumentos de viento-madera son todos aquellos instrumentos que se tocan soplando a través de diferentes tipos de embocadura (caña simple, caña doble, bisel…) y están construidos de madera, pero hay que decir que hay algunas excepciones como la flauta travesera y el saxofón que a continuación explicaremos.

INSTITUTO NACIONAL DE BELLAS ARTES Y LITERATURA

Sofía Méndez de Lara Sánchez. 1°B-2.

MÚSICA CLÁSICA.

El término “música clásica” es usado para denominar incontables estilos de música: orquestal, coral, impromtus, requiems, sinfonías, etc. Piezas de todo tipo que tienen poco que ver unas con otras. Por eso es difícil para la mayoría de personas iniciarse en un género tan amplio.

5. Frédéric Chopin

Muchos pianistas comienzan sus estudios practicando piezas de Chopin. Cuenta con un conjunto bastante variado de composiciones, pero algunas de sus “nocturnas” son perfectas para determinar los rudimentos del oficio.

Varias de sus canciones cuentan con popularidad universal y no es para menos. Chopin tenía la habilidad de conmoverte con su música en menos de cinco minutos, un atributo difícil de encontrar en el género clásico.

Por eso no tenía problemas en lo que respecta a las conquistas amorosas.

Durante su vida maravilló a toda clase de públicos. Desde familias aristocráticas a auditorios llenos de gente común y corriente. La música de Chopin trasciende las barreras sociales gracias a su virtuosismo sin igual.

4. Franz Schubert

Las estructuras musicales del trabajo de Schubert son capaces de maravillar a todo tipo de público. El ritmo de la mayoría de sus piezas expresa una paleta de emociones variada, ideal para mantener nuestra atención a lo largo de su duración.

Las canciones de este compositor son las más apasionantes y dramáticas que podrán encontrar en esta lista. Sus magníficos impromtus para piano han impresionado a millones de personas.

También posee bastantes piezas para orquesta bajo su autoría, pero nos atrevemos a decir que sus composiciones para piano son las más excelentes. Su estilo ha influido bastante en el género Metal, ya que su forma de estructurar los distintos movimientos de sus trabajos es bastante similar a la que posteriormente utilizarían bandas como Mastodon, Metallica, Pallbearer, etc.

3. Arvo Pärt

Sin duda el compositor clásico más destacado de la actualidad. Arvo Pärt nació en Estonia en mil novecientos treinta y cinco. A los quince años ya había empezado a componer sus propias obras.

Años después se convertiría el pionero más aclamado del movimiento de música minimalista. Sus obras han sido usadas en decenas de películas ya que muchas de ellas poseen un carácter épico, perfecto para acompañar a un drama intenso.

Ha compuesto decenas de discos y piezas orquestales, pero sin duda su mejor trabajo ha sido para el ámbito coral. Su estilo es bastante particular, incluso la cantante islandesa Björk ha expresado su fanatismo hacia las piezas de Pärt.

2. Ludovico Einaudi

Ya hemos hablado antes de cómo Ludovico Einaudi ha vuelto a popularizar la música clásica a gran escala. Su estilo es bastante accesible. Es uno de los pocos ejemplos de cómo se puede mezclar con éxito tendencias de la música moderna junto con elementos clásicos. Algo parecido a lo que ocurre en el caso del post-rock.

Sus piezas de piano son apasionantes. Como en el caso de Pärt, sus obras han sido utilizadas en decenas de películas. Dado que cuentan con un ritmo tan vertiginoso como emocional, son perfectas para ambientar una historia de características similares.

Lo consideramos el autor más accesible de esta lista. Cuenta con varios discos en los que desarrolla su estilo: de simples piezas de piano a titanes orquestales masivos. El trabajo de Einaudi puede ser disfrutado por cualquiera.

1. Franz Liszt

La “Lisztomania” fue un término inventado en el siglo XIX que describía el estado de obsesión y euforia que Franz Liszt ocasionaba antes, durante y después de sus famosos recitales de piano. Mientras se iba de gira por Europa, mujeres de todas las edades lo perseguían por las calles, dispuestas a pelearse con furia por uno de sus guantes o cualquier otra de sus prendas.

El virtuosismo de Liszt, tanto en la ejecución como en la composición, lo hizo famoso a nivel mundial. No es para menos, cuenta con tantas piezas excelsas que es difícil escoger cuál es la mejor de todas.

Su estilo era bastante extravagante y complejo, lo que se hace notar cuando cualquiera ejecuta una de sus obras. Sin embargo, todas cuentan con un elemento apasionante innegable, cuya potencia es solo comparable al de Schubert. Es el número uno de esta lista por el componente emocional que atrae a millones de personas a su música.

INSTITUTO NACIONAL DE BELLAS ARTES Y LITERATURA

Sofía Méndez de Lara Sánchez. 1°B-2.

PERCUSIONES.

La percusión es una familia esencial para la música, clásica o no, cuyo principio consiste en hacer sonar un objeto al golpearlo. Podemos dividir estos instrumentos en dos categorías: aquellos en los cuales la altura del sonido es fija e indeterminada (castañuelas, caja clara…) y aquellos que emiten sonidos de diferente altura (timbales, xilófono).

Se utilizan pieles, teclados de madera o de metal y toda clase de materiales para producir sonidos que son algo más que simple ruido. Los instrumentos de percusión están presentes en todas las épocas de la música, como complemento de otros instrumentos. Tienen un papel rítmico evidente y pueden añadir un toque de exotismo a la música (El rapto del serrallo, de Mozart, 1782).

En el siglo veinte, innumerables compositores han escrito obras exclusivamente para instrumentos de percusión, como Carlos Chávez (1899-1978), Tocata para instrumentos de percusión; Maurice Ohana (1914-1992), Cuatro estudios coreográficos; Iannis Xenakis (1922-2001), Pléyades; Edgard Varése (1883-1965), Ionisation; etc.

Lo mismo que la voz humana, la percusión  puede ser considerada el primer instrumento musical, las manos fueron sin duda los primeros instrumentos.

Fuente: Thierry Geffrotin, La música clásica en 100 palabras, Paidós, Barcelona, 2013

INSTITUTO NACIONAL DE BELLAS ARTES Y LITERATURA

Sofía Méndez de Lara Sánchez. 1°B-2.

MÚSICA MEDIEVAL.

La ciencia, el pensamiento político, filosófico o humanista, el arte. Lo que plantease preguntas y generase dudas quedaba prohibido. Las manifestaciones lúdicas, salvo contadas excepciones, tampoco eran bien vistas.

La música medieval “oficial” adquirió un carácter primordialmente utilitario. Aunque en un inicio las autoridades católicas no consentían esta manifestación artística, pronto le encontraron sentido: se convirtió en un vehículo para adoctrinar.

Esto trajo como consecuencia que, a nivel historiográfico, las manifestaciones musicales de la edad media se dividan en dos: música sacra y música profana.

Música Sacra

Dentro de este concepto entra toda la producción musical destinada a adorar a dios. Principalmente aquella estrechamente relacionada con las misas y los actos litúrgicos propios de la iglesia católica.

Durante el Medievo y dentro de los antiguos territorios dominados por Roma, a grandes rasgos, la música sacra se divide en:

• Canto vétero-romano: conocido a nivel histórico también bajo la denominación de canto romano antiguo. Además de desarrollarse en la actual capital de Italia, logró expandirse a otras regiones como Gran Bretaña e Irlanda. Se estima que su uso se hizo común entre los años 1070 y 1200.

Algunos estudiosos de la Música Medieval, señalan que comparte muchas similitudes con el canto gregoriano. Aunque su estructura es mucho más simple.

• Canto galicano: conformaba el repertorio litúrgico de Galia, territorios hoy conocidos como Francia y Bélgica. Abarcó de igual forma algunas regiones de Italia, Alemania y Países Bajos.

No abundan las fuentes escritas que den precisión a sus características.

• Canto ambrosiano: debe su nombre a San Ambrosio, obispo de Milán durante el siglo IV, cuando todavía estaba en pie el Antiguo Imperio Romano y no se había dado inicio a la Edad Media.

Carente de ritmos predeterminados, los “compases” eran creados a partir del texto recitado. 

También se le conoce como canto milanés.

• Canto beneventano: repertorio litúrgico de la ciudad de Benevento, así como de otras ciudades del sur italiano. Se estima que su formación se gestó entre los siglos VII y VIII.

Al igual que lo ocurrido con el canto galicano, no abundan las fuentes escritas que den luces claras sobre cómo se escuchaba. Sin embargo, algunos especialistas apuntan similitudes con el canto ambrosiano, sobre todo en lo referente a la ausencia de parámetros rítmicos.

Los cantos gregorianos

También inscritos dentro de la tradición musical de utilidad sacramental, los cantos gregorianos merecen un capítulo aparte dentro de la música medieval. Nacieron debido a la necesidad de la iglesia católica de unificar su variado repertorio litúrgico.

Su base principal está en el canto romano antiguo. Sus características definitorias son:

• Ritmo flexible, supeditado siempre al texto interpretado.
• Sonoridad con marcado acento de solemnidad.
• Monódico y cantado a capela por un coro que, en casi todos los casos, estaba conformado exclusivamente por voces masculinas.
• Prácticamente la totalidad del repertorio estaba escrito en latín.

Adicionalmente, el canto gregoriano sirvió de base para el desarrollo del tetragrama. Esto no era más que una guía formada por cuatro líneas horizontales, paralelas y equidistantes, diseñadas para asentar sobre ellas los primeros signos musicales. Hacia finales de la Edad Media, se añadiría a esta estructura la quinta línea, dando origen al sistema de notación musical vigente hasta la actualidad.

Música medieval profana

A grosso modo, el concepto de música profana engloba toda manifestación cuyo único propósito no sea la adoración a dios. Con excepciones, encierra en sí misma un marcado sentido lúdico.

Durante la Edad Media, dos grupos de músicos fueron sus principales difusores. A saber:

• Los trovadores: pueden ser considerados formalmente como los primeros cantautores dentro de la historia de la música occidental. Eran poderosos aristócratas, miembros de la realeza.

Las temáticas de sus canciones incluían dramas amorosos o declaraciones románticas, gestas heroicas y sátiras. También había espacio para transmitir inquietudes menos mundanas, como el desarrollo de ideales políticos o para los cantos fúnebres.

A diferencia de la música sacra, el ritmo no estaba supeditado al texto. Adicionalmente, el latín fue desechado totalmente y en su lugar se utilizaron las distintas lenguas romances. 

• Los juglares: estos eran artistas integrales. Además de músicos, también eran poetas, malabaristas y mimos. Sus espectáculos contaban con una puesta en escena circense.

En muchas oportunidades, trabajaban como músicos acompañantes de las actuaciones de los trovadores.

Los juglares eran miembros del pueblo llano, lo que facilitó que las autoridades eclesiásticas emprendieran una férrea persecución en su contra.

Instrumentos musicales de la Edad Media

La mayoría de los instrumentos empleados en la música medieval tienen sus orígenes en las tradiciones grecorromanas. Muchos de ellos continúan utilizándose, con algunas variantes, en la actualidad.

Arpa, lira, monocordio y las guitarras están en la lista. También flautas y algunos instrumentos de percusión como el cencerro.

INSTITUTO NACIONAL DE BELLAS ARTES Y LITERATURA

Sofía Méndez de Lara Sánchez. 1°B-2.

INSTRUMENTOS DE CUERDAS.

Los instrumentos de cuerda son aquellos que producen sonido por la vibración de una serie de cuerdas a partir de la acción humana aplicada con los dedos, con el puño o con elementos accesorios de diferente tipo. Por ejemplo: guitarra, bajo, violín.

Justamente la clasificación de los instrumentos de cuerda −que conforman un grupo enorme, tal vez el mayoritario dentro de los instrumentos que existen− se basa en el modo en que la cuerda produce el sonido.

la clasificación más importante acerca de los instrumentos de cuerda se basa en la manera en que se mueve la cuerda para producir el sonido:

• De cuerda frotada: Son aquellos que realizan la vibración al ser frotados con un arco dispuesto por una varilla flexible y algo curva, aunque algunas veces lo que se hace es una suerte de ‘pellizcada’, dando un sonido particular.
• De cuerda percutida: Son aquellos en los que las cuerdas deben ser golpeadas para sonar: el piano es el más conocido de estos, pero existen muchos otros.
• Los instrumentos pulsados: Son aquellos en los que el contacto es directo con la cuerda y la vibración se produce al pulsarla con la tensión que se decide.

En el caso de los instrumentos frotados y los pulsados, se establece una diferenciación adicional respecto de si tienen o no trastes, es decir, aquellos que cuentan con una separación demarcada en el diapasón para separar notas musicales de forma escalonada y los que no cuentan con esa demarcación, en estos últimos las notas se suceden en forma de ‘rampa’.

Ejemplos de instrumentos de cuerda

Violín	Mandolina
Contrabajo	Steel guitar
Viola	Guitarrón
Violonchelo	Charango
Piano	Banjo
Clavicordio	Sitar
Salterio	Cítara
Cimbalón	Laúd
Arpa	Bajo
Guitarra	Bajo fretless

INSTITUTO NACIONAL DE BELLAS ARTES Y LITERATURA

Sofía Méndez de Lara Sánchez. 1°B-2.

CANTO GREGORIANO.

Se denomina Canto Gregoriano al canto propio de la liturgia romana de la iglesia católica, herencia de los himnos y cantos entonados en las primeras iglesias o santuarios cristianos durante los primeros siglos de nuestra era.

A fines del siglo VI el Papa San Gregorio, preocupado por la unidad de la iglesia, inicio una reforma tendente a conseguir una liturgia común para todos los cristianos.

Con el objetivo de buscar un repertorio básico, mandó recopilar los cantos existentes,seleccionar entre ellos los mas adecuados y crear algunos nuevos; así estableció el primer núcleo de lo que años mas tarde se llamaría canto gregoriano,repertorio que fue ampliándose a lo largo de toda la edad media,especialmente durante los siglos VII, VIII y IX.

Los medios de los que se valieron San Gregorio y sus sucesores para la difusión del canto fueron:
La Schola Cantorum o escuela de cantores,institución para formar maestros de canto.
Los monjes, especialmente los de la orden benedictina.

El canto gregoriano jamás podrá entenderse sin el texto, el cual tiene prelación sobre la melodía y es el que le da sentido a esta. Los cantores deben haber entendido muy bien el texto, en consecuencia, cualquier impostación de tipo operático, donde se intente el lucimiento del intérprete debe ser evitado.

Es música vocal, esto es, que se canta a “ Capella ”, sin acompañamiento de instrumentos.